Wie ein roter Faden zieht sich durch die Ausstellung das Werk von Künstlern, die vorgefundene Materialien verwenden und/oder sich von der städtischen Landschaft inspirieren lassen.

Der bildende Künstler Bram Braam (NL, *1980, lebt und arbeitet in Berlin) beschäftigt sich mit Architektur und der ständigen Entwicklung unserer täglichen Umgebung. Er lässt sich von der rauen Umgebung Berlins, utopischen Vorstellungen und der niederländischen Landschaft inspirieren. Indem er den öffentlichen Raum durch das Auge eines Bildhauers betrachtet, hat der Künstler eine intime Verbindung zur Stadt und ihrer Architektur hergestellt. Die Stadt Berlin ist bekannt für ihre vielen Kontraste in reich und arm, glatt und rau. Es sind diese Kontraste, mit denen der Künstler spielt und die er in seinem Werk zusammenführt, um das Interesse an der Herstellbarkeit einer Stadt zu reflektieren.

Stephen Burke (*1991) ist ein bildender Künstler aus Dublin, Irland mit einem Hintergrund in Malerei (MA, GSA, 2018) und Druckgrafik (B.A NCAD, 2016). Er erhielt einen „first class honour's“/Ehrendoktortitel von der GSA. Burke entwickelte seinen eigenen Stil, nachdem er viele Jahre in der irischen Graffiti-Community unterwegs war. Stephen erhielt seinen Master in Malerei von der Glasgow School of Art im Jahr 2018 und arbeitet seitdem am Ausbau seines eigenen Studios und die Weiterentwicklung seiner akademischen Schreibpraxis. Stephen Burke war Stipendiat von Fresh A.I.R. Stephens Arbeit ist inspiriert von der konstruierten Umwelt als Subjekt und Spielplatz zugleich. Er untersucht verschiedenen Vorstellungen von Stadterneuerung, Post-Vandalismus und situativen Arbeiten. Seine aktuellen Arbeiten beziehen sich auf die Architektur und den öffentlichen Raum Berlins. Ihn interessieren vor allem die Interaktion des Menschen mit diesen Räumen, die Folgen und Rückstände dieser Interaktion. Stephen baut Gemälde aus Fliesen und anderen Gebrauchsgegenständen. Er benutzt diese Oberflächen als Tafel, um codierte Botschaften zu erzählen und Bilder darzustellen. Diese Bilder enthalten gewöhnlich eine Ikonografie, die sich auf die sprühlackierten Konstruktionsmarkierungen bezieht, die den öffentlichen Raum abgrenzen und großflächig bemalte Flecken, die auf die Entfernung von Graffiti (eine andere Form der Abgrenzung) verweisen, sowie eine Vielzahl anderer Kuriositäten, denen er im öffentlichen Raum in der Stadt begegnet. Diese Arbeiten beleuchten die Randgebiete unserer Städte und berücksichtigen die Rolle der Kunst in unserer alltäglichen Erfahrung.

Künstler-Statement Alireza Elahi (*1991, lebt und arbeitet in Teheran): „Meine Gemälde sind inspiriert durch den Akt des Polierens: das Entfernen von Graffiti von städtischen Wänden. Die abstrakten Formen, die im Kampf zwischen dem Graffiti-Künstler und dem Beseitiger erscheinen, sind Formen zwischen dem Bewussten und dem Unbewussten. Dies versuche ich, nicht in Form einer bloßen Darstellung und Wiederholung zu erreichen, sondern indem ich diese Methode als persönlichen Ausdruck in meiner abstrakten Malerei übernommen habe.“

Die Werke von Sergio Femar (*1990 in Galicien, Spanien) erinnern an die raffinierte Materialverwendung der Arte Povera und sind beeinflusst von Strömungen der Street Art,, aber Femar zeigt durch die verschiedenen Schnitte im Holz einen neuen Weg auf, sich ihr zu nähern. Stücke dieses Materials werden bemalt, besprüht und zusammengesetzt, um einzigartige und heitere Reflexionen zu erzeugen. „Meine Arbeit steht zwischen der Ruhe des Ateliers und dem hektischen Tempo der zeitgenössischen Kultur und ihrer Vergänglichkeit. Sie führt den Vandalen-Akt zu einem reifen Nachdenken, mit anderen Worten, sie bringt die Freuden des Schaffens zurück, ohne sich durch akademischen Druck eingeschränkt zu fühlen, indem sie das Risiko als verbindendes Element zwischen Schwindel und Gelassenheit einsetzt."

Jason Gringler wurde 1978 in Toronto, Kanada, geboren und lebte und arbeitete ein Jahrzehnt lang in New York. Im September 2017 zog er nach Berlin um. Reflektierende Medien verleihen den von Gringler produzierten Objekten eine Vielzahl von Leben, abhängig von der eigenen Erzählung und der physischen Positionierung vor seinem Werk. Das spiegelnde Glas fungiert gleichzeitig als Barriere, als Fenster, als Leinwand und fast als filmischer Raum. Wenn sich der Betrachter bewegt, verändert sich das Licht und damit auch das Werk. Es ist eine einfache Taktik, um eine kinetische Erfahrung mit statischen Objekten zu ermöglichen. Die Architektur hat einen tiefgreifenden Einfluss auf Gringlers Arbeitsweise (Stahl, Glas, Beton usw.), und das reflektierende Material ist ein gewisses manipulatives Werkzeug, das es dem Werk ermöglicht, sich an den architektonischen Raum anzupassen, in dem es sich befindet, und das dem Betrachter die Möglichkeit gibt, das Werk als etwas zu betrachten, das sich in einem ständigen Wandel befindet.

Jazoo Yang (*1979) ist eine südkoreanische Multi und Mixed Media-Künstlerin, die in Berlin lebt und arbeitet. Sie verfremdet öffentliche Räume zu tiefgründigen Zwecken. Mit einer Mischung aus konzeptorientierter Kunst und einer faszinierenden visuellen Palette hinterfragt sie die Beziehung zwischen uns und den Räumen, die wir bewohnen. In jüngster Zeit hat sie sich mit der Umwandlung von Wohnraum in der Stadt und der Gentrifizierung befasst, die die Anwohner aus ihren Häusern verdrängt. Die "Immanence"-Serie (Materials Series) ist eine Verschmelzung des Verschiedenen, des Entfernten und des Unbeachteten. Sie besteht aus verlorenen Fragmenten des städtischen Lebens, die Yang vor ihrem unvermeidlichen Verschwinden rettet - Reste von Außenwänden eines Gebäudes, Tapetenfetzen aus einem Innenraum, Reste antiker Kacheln - diese oft stummen, ignorierten Objekte werden hier aus dem Alltäglichen herausgelöst und gerahmt, um die Unermesslichkeit des Intimen zu würdigen.