mit Arbeiten von: Hideaki Yamanobe, Douglas Witmer, Minh Dung Vu, Catherine Seher, Ji Eun Lee, Aske Sigurd Kraul, Beate Höing, Graphic Surgery, Sergio Femar, Ivan De Menis & Nicolò Baraggioli. Die Arbeiten der Künstler werden durch von Nicolò Baraggioli verfasste Statements begleitet.

Was er schafft, ist genau das, was ich sehen will, wenn ich ein Kunstwerk betrachte: Einfachheit, Oberflächen, Texturen, Formen, Dicke, Winkel, achromatische Tonalitäten. Yamanobe hat – durch all seine jahrelange Praxis und Erfahrung – einen Grad an Bewusstheit und Weisheit erreicht, der für mich wirklich unglaublich ist.

Es ist heutzutage schwierig, einen anderen Künstler zu finden, der so entschlossen und fähig ist, dieses Niveau und diesen Qualitätsstandard zu erreichen. Das sollte man im Hinterkopf behalten, denn er liefert immer hervorragende Werke. Ziemlich bemerkenswert.

Wenn ich es mir nur leisten könnte, ein Werk von ihm zu kaufen. Ich wäre sehr stolz darauf, etwas von ihm in meiner Sammlung zu besitzen.

Doug ist ein guter Freund von mir. Leider sind wir uns nie begegnet, haben aber in den letzten Jahren bei vielen Gelegenheiten zusammen ausgestellt, und ich bin stolzer Besitzer eines seiner Werke auf Papier. Vor Jahren schon haben wir begonnen, die Arbeit des anderen zu verfolgen. Ich glaube, sein Feed war einer der ersten, denen ich bei Instagram gefolgt bin.

Es gibt vor allem eine ganz simple Sache, die ich über Douglas' Arbeit sagen möchte: Je mehr ich sie ansehe, desto mehr liebe ich sie. Er ist fähig, seinen Werken eine Seele zu geben. Und um ein Werk von ihm zu verstehen, kann man es nicht nur einmal oder für wenige Minuten anschauen. Man muss sich in sein Werk hineinkatapultieren. Beobachten und analysieren Sie sein Werk lange und genau, um es in seiner Gesamtheit zu würdigen, oder wie die Römer zu sagen pflegten "in toto", was für mich viel besser klingt!

Jeder einzelne Zentimeter seines Werkes verbirgt eine Unterschicht, eine doppelte Bedeutung; eine aufmerksame und sehr ausgewogene Studie. Mit all dem erreicht er den perfekten Kontrast in der Gegenüberstellung von Farben und Proportionen. Sein Werk ist sehr nachdenklich und poetisch.

Ehrlich gesagt bin ich mit seiner Arbeit noch nicht sehr lange vertraut. Ich habe sie erst vor wenigen Monaten kennen gelernt, als wir zusammen in der Galerie Biesenbach in einer Gruppenausstellung mit dem Titel "small world" gezeigt wurden – ein großartiges Beispiel dafür, dass "klein" nicht unbedingt weniger wichtig oder interessant bedeutet, sondern genau das Gegenteil: kuschelig, kostbar und vielleicht sogar intimer und wertvoller als ein großformatiges Kunstwerk – letztes Jahr im Juni.

Was meine Aufmerksamkeit sofort erregte, war die Tatsache, dass er mit einer akribischen Präzision arbeitet und eine Genauigkeit und Sorgfältigkeit erreicht, die ihresgleichen sucht. Es fasziniert mich wirklich an seinen Werken aus Acryl und Stoff, dass sie so neugierig machen und interessant anzuschauen sind, dass man sie stundenlang anstarren möchte, um zu entdecken, was sich hinter jedem einzelnen Loch und Muster verbirgt. Ein sehr junger und talentierter Künstler.

Ich muss zugeben, dass ich mich überhaupt nicht für figurative Kunst interessiere. Als abstrakter und ziemlich "minimalistischer" Künstler denke ich, dass ich nicht einmal die Sensibilität habe, sie wirklich zu verstehen und zu schätzen (dies ist nur eine meiner Grenzen, wenn es um figurative Kunst im Besonderen geht). Aber – und hier gibt es ein großes Aber – in Catherines Werk gibt es etwas, das mir wirklich den Atem raubt und mich zum Träumen bringt.

Was ich an ihrer Arbeit schätze und liebe, ist, dass sie mit einer "einfachen" und manchmal sogar "leisen" Szene des gewöhnlichen Lebens – die bewusst oft schwer zu verstehen ist – in der Lage ist, einem die Augen, aber vor allem die Phantasie für etwas Besonderes zu öffnen. Dein Verstand geht über die einfache Darstellung des Bildes hinaus, und ein ganzes Universum von Ereignissen, Situationen und Leben liegt plötzlich vor dir, oder besser gesagt, in deinem Kopf und schafft eine Art fantastische und faszinierende "surreale Realität".

In Ji Eun Lees Werk ist Repetition die Antwort auf alle Fragen, die einem beim Betrachten in den Kopf schießen könnten. Wiederholung erscheint wie ein Mantra in dem, was sie tut und erreicht. Muster, Strukturen, Symmetrien, Gleichgewicht, Linien und Formen sind die Grundlage ihrer Arbeit, die durch die Verwendung von Holz, Gips und anderen natürlichen Materialien sowie (Kunst-)Harz ausgedrückt und verwirklicht wird, um das Paradoxon der Welt darzustellen, mit anderen Worten: ihrem Publikum bewusst zu machen, dass das, was scheinbar bestimmten Regeln im Leben folgt, in Wirklichkeit genau das Gegenteil ist.

Denn die meiste Zeit werden die Dinge durch Zufälle und äußere Faktoren geregelt, die wir nicht kontrollieren können. Deshalb tut sie in ihrer Arbeit genau das: Kontrolle ausüben. Aber dann bedeutet Wiederholung auch Unregelmäßigkeit, Unvollkommenheit und Schicksal. Und wenn man das "akzeptiert", dann kann man Lees Arbeit und Philosophie besser lesen und verstehen.

Ich hatte das Vergnügen, Aske zu treffen, sein Atelier letztes Jahr zu besuchen und ihn kennen zu lernen.

Was für mich bei seiner Arbeit wirklich hervorsticht, ist die Tatsache, dass seine Herangehensweise an die Kunst von einem sehr interessanten Standpunkt und einer sehr interessanten Analyse ausgeht: Zeit und wie die Dinge durch sie verändert werden (einige seiner Werke hat er vergraben, andere sind verschiedenen atmosphärischen Einflüssen wie Regen ausgesetzt worden).

Seine Herangehensweise an die Kunst ist sehr "wissenschaftlich"; in der Tat liebt er es, jede Art von chemischen Elementen, Pulvern und Farbpigmenten zu verwenden, die jedoch nur ein Vorwand sind, um etwas Tieferes und Mysteriöseres zu untersuchen, mit anderen Worten: das Leben. Und was gibt es Interessanteres als das?!

Beates künstlerische Arbeit ist wie eine Erzählung ohne ein einziges Wort. Es klingt wie ein richtiges Paradoxon, aber das ist die Art und Weise, wie ich ihre Arbeit interpretiere und betrachte. Sie ist in der Lage, mit einem Bild eine ganze Geschichte zusammenzufassen. Ein Leben.

Ich liebe ihre Keramiken und besonders die der toten Vögel. Ich bewundere deren Vergänglichkeit, die durch die Verwendung von Keramik und die ihr innewohnende Zerbrechlichkeit noch unterstrichen wird. Wenn ich mir ihre „Vogel-Skulpturen“ ansehe, kann ich mir etwas vorstellen und an etwas denken, das ein Leben gelebt hat und wenige Sekunden später einfach gestorben ist. Und genau darin liegt für mich die Schönheit dieser Arbeiten: in dieser Sekunde zwischen Leben und Tod.

Ich hatte das Privileg und das Glück, mit diesem erstaunlichen holländischen Künstlerduo einige Male in der Galerie Biesenbach auszustellen, vor allem aber, sie persönlich kennen zu lernen. Was soll ich sagen?! Komplexität, handwerkliches Können, visionär und innovativ sind nur einige Worte, die ich erwähnen kann, um ihre Arbeitsweise und die Qualität ihrer Arbeit zu beschreiben.

Ich glaube wirklich, wenn man vor einem ihrer Werke steht, kann man es stundenlang anstarren, nur um zu versuchen, die komplizierten Umrisse des Werkes zu verstehen. Einfach hypnotisierend und überwältigend. Es ist ein offensichtliches Beispiel für großes Erfindungsreichtum und unendliche Phantasie und Kreativität.

Was ich an der Arbeit von Femar liebe, ist die Tatsache, dass man nicht einfach nur ein farbenfrohes Kunstwerk betrachtet, sondern dass es viel mehr ist als das. Es ist ein sehr schönes Objekt mit toller Struktur, das in seiner komplexen Einfachheit in Bezug auf die Gegenüberstellung von Farben, Materialien, Tiefen und Vertiefungen perfekt ausbalanciert ist.

Femars Arbeit ist ein phantastisches Beispiel dafür, was ein Künstler mit nur wenigen Elementen (in seinem Fall werden meist Holzstücke und Acryl verwendet) schaffen kann: etwas Magisches und damit sehr Unverwechselbares und Einzigartiges. Diese Fähigkeit, aus so ziemlich allem Großes herauszuarbeiten, ist nicht vielen eigen. Gut gemacht, Sergio!

De Menis ist in der Lage, Menschen zum Träumen zu bringen, man sehnt sich nach seiner Arbeit. Und hierbei ist der Prozess der Schlüssel.

Die untereinander liegenden Schichten sedimentieren – jede einzelne – für eine sehr lange Zeit, und es dauert Ewigkeiten, um ein einziges Werk zu vollenden, wie bei den italienischen Meistern der Renaissance mit ihren erstaunlichen "Fresken", wie mir von meinem Freund Ivan erzählt wird. Dieser lange Prozess schmückt sein Werk und lässt es so intensiv und kostbar aussehen, dass man den Wunsch verspürt, einzutauchen und von der Tiefe seiner Farben und der kraftvollen und lebendigen Energie, die es freisetzt, umarmt zu werden.

Auffallend, schön anzusehen und lecker; ja, weil man beim Betrachten dieser Arbeiten den unglaublichen Wunsch verspürt, ein Stück davon abzubeißen.

Was ich mit meiner Arbeit wirklich ausdrücken möchte, ist jenes Gefühl der emotionalen Losgelöstheit, der Antisubjektivität und Kälte, das mit den Strukturen, mit Elementen wie Oberflächen, Materialien, Formen, Dicken, Winkeln, Chromatik identifiziert wird, die ich normalerweise in meiner Praxis verwende. Und das Ergebnis, das ich erreichen möchte, ist die Schaffung eines Objekts. Meistens ein skulpturales Wandobjekt.

Meine Arbeit basiert fast ausschließlich auf der Verwendung solider und essentieller geometrischer Formen, auf Modulen, die wiederholt und in fast unendlicher Lösung kombiniert werden können; oft sind es kleine und mittelgroße Strukturen, die die befremdliche Wirkung zwischen der Realität, in der sich das Werk befindet, und dem Werk selbst verstärken.

Was meine Arbeit am meisten charakterisiert, ist die Suche nach einer exekutiven Strenge, die sich aus wenigen geometrisch definierten Elementen zusammensetzt und sich ein wesentliches Lexikon zu eigen macht, dargestellt als eine Variation von primären Elementen, reinen, einfachen Formen, mit einer Chromatik, die oft mit der der Materialien übereinstimmt.